《名器录》之摇铃尊

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康熙十九年

公元1680年，过完春节，捷报就不断从福建传来。先是在海坛歼灭了台湾郑家部队的主力，乘胜就收复了厦门，再下金门。一连串的胜利预示着困扰康熙皇帝十余年的台湾问题这块心病，即将彻底解决。

八月，大臣上奏皇帝解除海禁。

为了收复台湾，康熙初年开始施行的海禁，措施异常严厉，福建沿海30里不得有人居住，所有居民，全部迁往内地。居民迁出之后，设立界碑，甚至界墙。胆敢越界的，一律处死。这样的措施，进而扩展到广东及浙江，离海的距离也不断扩大至四五十里，乃至二三百里。对于海外贸易而言，无疑是一场灾难。明末以来陶瓷出口，如火如荼，海禁对景德镇瓷制瓷业冷水泼头。

此时海禁解除，无疑给制瓷业带了一次重大转机，毕竟，这巨大的国际市场十余年来嗷嗷待哺，渴望着景德镇的瓷器填满它不知餍足的胃口。

但转机还不仅于此，另一个沉寂已久又无比巨大的力量也再次觉醒。

重建官窑

景德镇的匠人们早已习惯了没有官窑的日子，毕竟，明代万历朝之后，皇帝虽然还有瓷器的需要，但御窑厂早已名存实亡。清朝入主中原，顺治皇帝似乎没有瓷器的雅兴，一些特殊的需要，下旨景德镇完成，却屡屡失败，不了了之。康熙皇帝即位，内忧外患，自然也顾不上瓷器这等小事。事实上，三藩之乱还对景德镇造成了巨大的破坏。

不过四海既定，可以关注下生活了。

这一年，沉寂了近一个世纪的御窑厂，又重新烧起窑火。这把火，点燃了中国陶瓷史最为辉煌的一页。

康熙的品味

历史上康雍乾三朝总是并称为清三代，陶瓷上也是如此。不过，人们总是对雍正和乾隆两父子的品味指指点点，很少说到康熙。似乎康熙只是一个引子，真正的辉煌属于他的儿子和孙子。

这真是一个天大的误会。雍正朝瓷器给人的印象高冷简约，有文人的意趣和雅致；而乾隆成了繁复的代名--华丽，复杂，精巧，但在文人看来，显得太过。对康熙皇帝，就没有明确的标签，似乎难以总结。而事实上，雍乾两朝各自的特点和优点，非但都能在康熙时期找到源头，而且也并没有实质上的超越。

比如雍正时期引以为傲的单色釉，仅仅增加了一些新的釉色，变化了一些器形，继承和发展都做得很好，超越就难说了。可以说，雍正的格调是延续了康熙高冷的一面。而乾隆则是把康熙华丽的一面进一步发挥，却又过尤不及。乾隆皇帝今天饱受诟病的一面，也正源于此。

所以，康熙才是开宗立派的大宗师。他的绝学，分别被儿孙继承，划为两派，我们可以称为艺（文艺）宗，和技（技术）宗。每一派各种有所发展，但很难说是全面的超越。

事实上，康熙一朝，正是中国古代陶瓷史上最为辉煌的一页，推动陶瓷史发展的三股最重要力量：皇家的审美、民间的创造力以及海外贸易的刺激同时到达顶峰。

明代后期官窑已是名存实亡，给民窑留下了充分的空间，而晚明市民阶层经济发达，消费剧增，创造力因而得到极大刺激。同时，中国瓷器横扫欧洲，趋之若鹜。两股力量的交汇，让官窑缺失的制瓷业仍然不断向前发展。

而断烧近百年的官窑，却如何在康熙时期瞬间爆发呢？

设计师刘源

康熙在瓷器的问题上，显然没有仿效他父亲顺治皇帝的态度：有需要就下旨烧点，烧不好也就算了。皇家瓷器自明代以来，就不仅仅是日常的使用，还关乎祭祀，小看不得。

一方面，他专门指派督陶官亲赴景德镇管理整顿窑务，毕竟百废待兴，而地方官员恐怕也难测圣意。而烧制什么，皇帝也有自己的想法，不愿因循前朝。

一位叫刘源的大臣及时领会到皇帝的意图，在家中殚精竭虑，苦思冥想，终于完成了一百多幅设计稿。他既是文人，又精于绘画，设计的瓷器样式既有新意，又富文人气息，自然，也少不了皇家的气派。这样的设计与民间的创造自然不能同日而语。当然也毫无意外的，得到了皇帝的赞赏。

康熙朝瓷业的复兴，由此开始。

摇铃尊的尊

刘源的设计稿早已失传，哪一件官窑瓷器出自他的设计，已经没有清晰的证据，不过，前无古人的新样式有可能出自他的笔下，似乎是个合理的推断。摇铃尊便是其中的一件。

听到尊，有时让人不明所以。偶尔还能遇到的一个词是“酒尊” ，当然和酒有关系。的确，宋代以前，尊是储酒器，用来盛酒，而且体型较大，不是用于日常品饮，而是祭祀，作为礼器地位尊贵。不过到了明代，文人把上古的青铜器都用来插花，成了花瓶，于是后来瓶和尊就分不太清楚了。事实上，摇铃尊称为摇铃瓶似乎更准确，因为后来文人又想区分瓶和尊，认为口小的可以叫瓶，比如梅瓶，而口大的更合适叫尊，比如凤尾尊。不过既然定了这个名，也不必过于计较，好比景德镇，千年以来便是个名叫“景德”的镇，解放之后升格为市，严格说来，本应该叫景德市才对，但如果真叫了景德市，人们免不了每每要问：景德镇和景德市有什么关系？所以，要是较真，你大可以称之为摇铃尊瓶，想来，也不会有人提出什么异义。

不过，叫尊的确有个好处，毕竟瓶太普通，尊就少，而且听起来就容易联想到尊贵的意思。

灵感之源-摇铃

之所以叫摇铃尊，是因为尊的形状像是铃上装了一个把手，可以抓着把手摇动让铃发声。这种摇铃中西方都很常见。西方还产生了一种手摇铃的打击乐器，大体也是这个样子。

造形设计来源于现有事物在陶瓷史上并不新鲜，早期人类的发明纯粹是无中生有，一瓶一罐都没有参考的对象，后世的设计，可以从前人那里得到灵感，无论什么材料什么质地，宋代陶瓷的造型很多就源于青铜器。也有从自然之中获得启发甚至直接模仿，像苹果尊石榴尊都是。摇铃尊的造型模仿摇铃，应该没有什么疑问，不过，相类似的造型古代也有，法门寺出土的一件唐代的八棱瓶，就很像是近亲。宋代的纸槌瓶也是，血源上看起来更近。

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如观美人

观瓶如观美人。瓶口如口，口沿便是唇，往下是颈，再是肩，而后是腰，最下是足。

摇铃尊颈部细长优雅如天鹅，瓶颈中部微微内收，往上就舒展开来，往下肩颈处一圈弦纹如项链，颈项就愈发高贵、柔美。此时，想像手指从柔腻的颈部滑向肩，轻轻一转，顺势而下。肩部是有骨的，外柔而内挺。往下一收腰，足一扎，身段就亮了出来：娇媚中见着挺拔的风骨。如是美人，带着几分英气。

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翠毛蓝

摇铃尊之所以引为经典，不但器形完美，装饰上也极为精彩。

瓶身的装饰放在一堆官窑瓷中显得吝啬：只在造近底部一圈锯齿纹（三角形），有如裙边，肩部点缀团花（圆形），正面一团，反面一团，此外，就空空如也。这种纯粹以几何形为装饰的手法在元代以来的陶瓷装饰中，极为少见，又是大量的留白，这需要设计者充分的想像力与巨大的勇气：毕竟不是小家碧玉小鸟依人，皇家的气派，多，总是安全的。

装饰虽少，气势上却不弱，底纹如山，团花如日，瞬间便有了一览天下的豪壮。

青花色调也蓝得恰到好处。康熙时期，青花色调明艳动人，世人称之为“翠毛蓝” ，蓝得像翠鸟的羽毛。这得益于当时对青花料处理技术的进步：毕竟珍如黄金的“苏麻离”青花料已绝迹百余年，就是嘉靖万历时期的“回青料”也早已不知所踪。此时用的一种国产“珠明料” 。单从材料上比，逊于“苏麻离青”及“回青” ，但工艺的进步弥补了不足，甚至还大有赶超之势，成为与永宣青花比肩的历史高峰。

除了青花，传世还有用釉里红装饰，画面与青花一致，全世界很多博物馆都藏有这款经典，拍卖会上也时常现身，可见当时受皇帝喜爱的程度。不过各自的藏品也有不少的差异，有的脖子稍粗一点，有的肩更圆润，有高，有矮，有胖，有瘦，虽然只是毫厘之差，气质上就很有些不同。其间的差异，需要细致的审视，与体味。

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